Cuando un objeto se vacía y permanece solo su límite, algo extraño sucede. En las medianeras, ese límite refleja la estructura interna que tuvo el edificio y actúa de memoria o registro de lo que ya no está. Son un “patchwork” involuntario de huellas de forjados y tabiques, paredes empapeladas, azulejos, restos de cuartos de baño, dibujos de escaleras, incluso, a veces, algún cuadro o estantería todavía colgados de la pared.

Las medianeras, y su carácter de rastro o fantasma, han interesado a muchos artistas. La artista suiza Marika llevó a cabo una intervención sobre una medianera de la Barceloneta que se limitaba a intensificar su carácter de “fantasma” completándola con azulejos y aparatos sanitarios nuevos. La condición de obra de arte de esta medianera idealizada podría pasar perfectamente inadvertida si no fuera por la perfección geométrica de los paños de azulejos añadidos y la posición inverosímil de alguno de los sanitarios.

Gordon Matta Clark, “Wall’s Paper”, 1972 

Gordon Matta Clark, en su trabajo “Wall’s Paper” de 1972, realizó fotografías de los muros medianeros de edificios parcialmente derribados y las imprimió sobre papel de periódico. Las copias estaban conscientemente mal elaboradas y la instalación final incluía un apilamiento de copias compaginadas en el suelo, “como si fueran diarios” y una serie de tiras colgadas en uno de los muros de la galería, imitando la disposición del papel mural. El efecto de esta instalación dependía de la correspondencia entre el objeto reflejado, muros y objetos arruinados en proceso de desaparición, y su representación, fotografías con carácter efímero mal impresas en papel de poca calidad.

Rachel Whiteread: “Fire escape” 2002, “Ghost” 1990, “House” 1992

El interés por los espacios y sus límites ha marcado la obra de Rachel Whiteread. Esta artista ha realizado esculturas del espacio que queda debajo de camas y sillas, dentro de una bañera, entre los libros de una estantería etc.En sus obras “Fire Escape”, “Ghost” y “House” realiza el vaciado del interior de, respectivamente, una escalera de evacuación, una habitación y una casa unifamiliar. Se utilizan los límites de estos espacios como molde para solidificar el espacio interior y, a continuación, se eliminan dichos límites. El uso de moldes es algo habitual en escultura, lo particular de este caso es que aquello que se quiere solidificar no es el lleno sino el vacío. De este modo se invierte la percepción espacial: se hace visible lo que no es visible habitualmente, y se desvanece aquello que normalmente percibimos. Se trata de situaciones opuestas a las medianeras, sin embargo el resultado obtenido es igualmente intrigante. El título de una de las instalaciones “Ghost” (fantasma, espíritu) no es casual, hace referencia a la capacidad de la frontera entre lleno y vacío, entre dentro y fuera, para cargarse de sentido y de memoria.

2. OPERACIONES Y OBJETOS TRANSPARENTES

1.Gordon Matta-Clark, “Conical Intersect”, 1975. (Operaciones automáticas. Desarrollo robótico. Conjunto codificado)

A menudo la obra de Gordon Matta-Clark se ha interpretado en base a la estructura de capas de significado que contienen sus intervenciones. Pero resulta evidente, además, la necesidad de presencia física con respecto a dichas obras, e incluso la presencia física dentro del ámbito de su realización y su presentación al público (a menudo acompañada de cierto ritual).

De ahí el interés de esta cita:

“Gordon no era un productor de objetos. Su material, herramienta y centro de atención era el espacio, el espacio emotivo (…) Lo que Gordon creo fueron epifanías espaciales personales”. Entrevista a Richard Nonas (Gordon Matta-Clark, Catálogo IVAM 1993).

Si se entienden como epifanías (como situaciones de presencia más que de significado, en la línea de las definiciones que Hans Ulrich Gumbrecht en el libro “Producción de presencia”), las actuaciones de Matta-Clark son automáticas. Sin embargo, su repetición en el tiempo sí es robótica, y puede que su obra tomada como conjunto se pueda entender como codificada, esto es, como un hilado complejo y abierto de diferentes situaciones espaciales.

2. Bill Viola, “Reflecting Pool”,1977 (vídeo automático)

http://es.youtube.com/watch?v=nxTl5Km_hbs

La obra se estructura en torno a la idea de tránsito entre dos mundos diferenciados: nuestro mundo, o el mundo de los vivos, o el mundo de lo real, y otro mundo, otra modalidad de existencia que surge por oposición y como complemento a la anterior. El video pone de manifiesto, además, la existencia de un tercer elemento; un lugar intermedio entre ambos mundos que tiene la función de servir de puente de comunicación entre éstos. Este elemento es, observado bajo el prisma de la definición de Eugenio Trías en el libro “Lógica del límite”,el propio “espacio-límite”, un territorio habitable y colonizable. Un espacio donde la ambigüedad y la contradicción son posibles, desde el que es posible proyectar e imaginar. En efecto, en este “tercer” observamos que la línea temporal deja de ser sincrónica para fragmentarse y atomizarse. El protagonista habita un espacio intermedio ente “lo real” y el “más allá”.En esta obra dicha fragmentación de la realidad se lee de forma clara y unívoca, es decir, se explicita de forma automática. (Sin embargo, el “espacio-límite” si puede leerse como un lugar potencialmente proliferante).

3.Olafur Eliasson.”Your Activity Horizon”, 2004. (Experiencia codificada)

En el trabajo de Olafur Eliasson, una actuación recurrente es el aislamiento de un fenómeno determinado con el objeto de “enfocar” un acto introspectivo, esto es, de facilitar el trabajo desde un punto de vista fenomenológico. El aislamiento de la experiencia de dicho fenómeno nos permite empezar a evaluar la propia experiencia, la manera en la que lo percibimos, o más bien cómo construimos culturalmente un sistema de mediación para poder relacionarnos con ese fenómeno. Para Eliasson, por tanto, la relación sujeto-objeto no es en absoluto automática, y además los límites entre ambos no aparecen definidos de forma unívoca. Eliasson pone de manifiesto la experiencia de fenómenos como un sistema cultural codificado.

4. Atelier Van Lieshout. AVL Ville. (Espacios automáticos)

AVL Ville es un proyecto en proceso, un “estado” libre en el puerto de Rótterdam dotado de su propia bandera, su propia moneda, su propia constitución y sus propias instalaciones (unidades de alojamiento y de trabajo, granja, sistema de purificación de agua, hospital, restaurante, destilería…). Estos espacios se formalizan de forma absolutamente unívoca y directa, liberados de las referencias de carácter moral que los impregnarían en cualquier otra sociedad.Así, los aseos y sistemas de purificación de agua adquieren un carácter escatológico, las fábricas de armas y polvorines conviven sin esconderse con el resto de las construcciones, y su papel moneda emplea sin vergüenza la simbología de los “verdaderos valores occidentales”: dinero, armas y cerveza. AVL Ville nos inquieta porque es deliberadamente automática: funciona como un espejo que nos devuelve la imagen directa de nuestra sociedad.

http://www.ateliervanlieshout.com/

5.Gilles Clément. “Le Lustre” (el candelabro), 2006-07. (Colección robótica)

Una colección robótica y exhaustiva de objetos –desde especímenes orgánicos hasta deshechos inorgánicos- encontrados en el jardín trasero del CCA de Montreal, clasificados y agrupados formando un “candelabro” que representa y manifiesta la diversidad de lo que Clément denomina “el tercer paisaje”.Estos objetos forman un “ecosistema”. Son interdependientes entre sí, pero además reflejan hábitos de uso y comportamientos tanto como el entorno urbano. Además, constituyen una invitación a pensar en la figura del “ciudadano jardinero” que asume un rol cooperativo y participativo en el mantenimiento del ecosistema urbano.

6. John Hejduk. Central Park project, Cooper Union School of Architecture. Extraído del libro “Education of an Architect”. (Actuación robótica)

John Hejduk relata cómo es posible descubrir la traza de Manhattan en el proyecto de Olmstead para Central Park. En efecto, Olmstead usó la estructura viaria de Nueva York como traza organizadora para su diseño. “Uno concluye que proyectó lo que imaginaba que era la planta romántica ideal para New York”. El ejercicio resultante, realizado en la escuela de Arquitectura de la Cooper Union, convierte Central Park en la ciudad que Olmstead quiso que NY fuera. Los caminos se convierten calles que atraviesan una densa trama urbana, y los hitos arquitectónicos forman plazas y bulevares.

El Manhattan pintoresco se revela con un simple operación robótica que consiste en invertir masas y vacíos, asignando programas en función de una lógica de dimensiones.

7.Thomas demand. Varios trabajos expuestos en la Serpentine Gallery de Londres, 2006

Demand fotografía maquetas a escala 1:1 de espacios directamente inspirados en el mundo de los mass-media. Luego destruye esas maquetas. Al observar con cierto detenimiento sus fotografías, aparentemente hiperrealistas, descubrimos anomalías que nos revelan la naturaleza del objeto fotografiado. Para Beatriz Colomina, Demand no es sino un arquitecto de nuestro tiempo, que “construye la imagen de la arquitectura”, la imagen del material indefinido que sirve de fondo al desarrollo de nuestras vidas. Para Colomina, al igual que Mies, Le Corbusier o los Eames, Demand entiende que la imagen del objeto, y no el objeto, se ha convertido en el material base de su disciplina.